Ludwig van Beethoven escribió su única ópera Fidelio varias veces, por lo que su obra tiene varios títulos: Leonore para la primer versión; Leonore, order Der Triumph der echelichen Liebe (Leonore, o el triunfo del amor conyugal) (para la segunda versión); Fidelio (para la tercera y definitiva versión).
La ópera está dividida en tres actos (primera y tercera versión) y dos actos en la segunda versión. La tercera será la definitiva, tal y como la conocemos hoy en día.
También con distintos autores del libreto: Josef Sonnleithner, Stephan von Breuning (para la primera y segunda versión) y Georg Friedrich Treitske (para la tercera versión).
El texto original en el que basa el libreto es “Leonora”, que era la traducción al alemán, de un drama francés de Jean Nicolás Bouilly.
Resumen del argumento
La obra relata el intento de Leonore, disfrazada como Fidelio, de entrar en la prisión para poder salvar a su marido o al menos, llevarle consuelo puesto que está encerrado injustamente; para ello se encarga de mantener buenos lazos con el carcelero prometiéndole un amor incondicional a su hija Marceline, quien acaba profundamente enamorada de él-ella. Tras una serie de escenas, Fidelio encontrará a su amado, lo salvará y el hombre que lo llevó a la cárcel injustamente será delatado ante el gobernador (amigo del esposo de Leonore). Es por tanto un argumento no solo a la lealtad o a la fidelidad, sino también a la libertad, tiene un final feliz en el que los buenos salen ganando y la justicia llega a su culminación.
Reseña biográfica del compositor
Con Ludwig van Beethoven comienza el Romanticismo. Su obra muestra la lucha interior del compositor: la pasión, el movimiento, el contraste, etc; estos elementos no son nuevos, pero en sus manos se convertirán en pautas a seguir por un nuevo estilo musical.
Su obra se divide en tres periodos:
* Un estilo clásico de “asimilación” (1795-1801) en donde el artista se influencia directamente por Mozart y Haydn.
* Un estilo de “transición”, en el que cambia de rumbo porque considera al Clasicismo como algo pasado y lo hace intentando plasmar en la música una serie de emociones del ser humano. Ejemplo de esta etapa será Fidelio. Hay que destacar que es la única ópera que compone en toda su carrera musical; es considerada entre otras obras como la muestra del genio de Beethoven y, al igual que sus sinfonías y conciertos, esta ópera única se convierte en un gran símbolo de la humanidad. Se la ve ahí la genialidad de Beethoven: producir una obra de arte que en muy poco tiempo que sobrepasa las fronteras de un país y se convierte en un don artístico que representa y pertenece a todos los hombres
* Un tercer periodo (1816-1827) en donde el compositor terminará refugiándose en su mundo interior.
Contexto en el que la ópera se compone y se estrena Fidelio, ópera del Romanticismo, se compuso tres veces, la primera vez, en 1805, pero tras tener que hacer unos arreglos y variaciones para los cantantes, lo vuelve a estrenar en 1806 cuando los ejércitos franceses de Napoleón estaban listos para invadir Austria. La Emperatriz huyó de Viena y la ciudad fue ocupada pacíficamente. La ópera se presentó, a pesar de todo, durante el 20, 21 y 22 de noviembre de ese año pero no tuvo mucho éxito. Finalmente, en 1814, la cantante Anna Milder critica la ópera diciendo que es casi imposible de cantar y Beethoven realiza otra revisión de las arias e incluso pide el consejo y la revisión de otros grandes maestros.
Es famosa la anécdota en que el crítico Cipriani Potter dice que es la ópera más grandiosa que haya escuchado en Viena y Beethoven responde que él nunca la ha escuchado, en parte porque los cantantes no podían cantarla como él quería y en parte porque su sordera ya estaba avanzada.
Tras otra serie de modificaciones de escenas, arias y tipos de voces Beethoven declara que todas sus versiones anteriores quedan anuladas y que la versión definitiva es la del 1 de julio de 1814.
¿Éxito o fracaso?
Años atrás, en 1805, el estreno de su ópera Fidelio había sido un fracaso, en sus representaciones abundaron los abucheos. Beethoven se vio obligado a retirarla y, en un acceso de cólera, estuvo a punto de destruir el libreto y la partitura. Sin embargo, pudo más su afán de perfeccionarla y en los años siguientes trabajó minuciosamente con objeto de mejorarla. Cuando en 1814 fue llevada de nuevo a los escenarios, Fidelio fue acogida con vítores. Fidelio es considerada por muchos, una obra maestra y una de las piezas dominantes en el repertorio alemán.
Partes de la ópera más conocidas
Coro de los prisioneros:
Este coro pertenece al Primer acto, es un tipo de puesta en escena clásica representado en Alemania. Es una de las imágenes más indelebles en todo el repertorio operístico puesto que estos hombres que no han visto el sol en meses o años.
Aria de Pizzaro:
Esta aria pertenece al Tercer Acto, es también una puesta en escena clásica mezclada con un vestuario y un juego de luces modernos, representada en Detroit Opera House. Es justo después del momento en el que Don Fernando, el ministro, manda encarcelar a Don Pizarro y liberar a Florestán.
Canción final de la opera
https://www.youtube.com/watch?v=u5kwVz2wOss
Se trata de un coro en el que todos alaban el valor y el arrojo de la mujer y celebran el triunfo de la justicia y el amor de Leonora y Florestan.
Aria “Haí Welch ein Augenblick” interpretado por Pizarro
Como curiosiddad os dejo el link a una exposición de fotos en Valencia por un fotógrafo intentando recrear la prisión y el deseo de libertad de los prisioneros
Fausto es un drama en cinco actos con música de Charles Gounod (1818-1893), y libreto de Jules Barbier y Michel Carré. Se estrenó en el Théatre Lyrique de París el 19 de marzo de 1859, basado en la obra del mismo nombre de Goethe, y aunque siguió en cartel bastante tiempo, no pudo hablarse de éxito importante. Pocos meses después pasó a Estrasburgo y se convirtieron los diálogos en recitativos orquestales. A partir de entonces siguió una carrera lentamente ascendente hasta que fue conocida en toda Francia.
Poco a poco creció su prestigio hasta que la Ópera de París decidió ponerla en escena y para ello exigió al autor que la convirtiese a grand-opéra con los correspondientes cinco actos y un gran ballet espectacular. Reestrenada de este modo, alcanzó su éxito definitivo hasta tal punto que era título seguro de cada temporada. En 1887 alcanzó las quinientas representaciones.
Su presencia en el teatro llegó a ser excesiva, desequilibrando el repertorio francés. Pero no era sólo París, Fausto había llegado a lugares tan distantes como Filadelfia , San Petersburgo y un largo etcétera.
Resumen del argumento:
Acto I
El doctor Fausto, cansado de una vida solitaria, está a punto de acabar con sus pesares mediante un brebaje letal. Ante el pensamiento de que Dios no va a devolverle la juventud ni el amor, invoca al diablo para que acuda en su ayuda. Aparece Mefistófeles, ofreciéndole riquezas, gloria y poder, pero él quiere algo más: la capacidad de disfrutar eternamente de todos los placeres que debilitan el corazón y los sentidos. Mefistófeles le propone servirle a cambio de su alma. Para convencer al anciano sabio, Mefistófeles le hace ver a Margarita hilando en su rueca, y Fausto firma el pacto sin pensárselo.
Acto II
Estudiantes, soldados y ciudadanos beben y se divierten, mientras las muchachas coquetean ante las matronas. Wagner pregunta a Valentín la razón de su tristeza, a lo que éste responde que teme dejar sola a su hermana Margarita al partir para la guerra. Siebel le asegura que él cuidará de ella. Mefistófeles aparece y canta sobre la adoración de la humanidad al becerro de oro. Luego predice a Wagner que morirá en la guerra, y a Siebel que se marchitarán todas las flores que toque. Prosigue el baile y pasa por allí Margarita. Fausto intenta entablar conversación con ella, pero la joven le rechaza.
Acto III
Siebel rompe el maleficio introduciendo los dedos en una fuente de agua bendita y deja un ramo ante la puerta de Margarita y se va. Entran Mefistófeles y Fausto, este primero deja un cofre junto a la puerta. Llega Margarita, que inmediatamente coge el cofre en vez del ramo y comienza a probarse las joyas. Aparecen Fausto y Mefistófeles, y Fausto conversa con Margarita. Cuando cae la noche, Fausto corre a la ventana a coger la mano de Margarita.
Acto IV
Margarita va a rezar por su amado y por el hijo que está esperando, pero Mefistófeles y los espíritus del mal impiden que encuentre consuelo en la religión. Margarita, muy asustada, invoca al Señor, pero Mefistófeles insiste en que está condenada y Margarita cae desmayada.
Vuelven los soldados victoriosos, y con ellos Valentín. Valentín desafía a Fausto, quien, con la ayuda del diablo, le vence y huye. Antes de morir, Valentín reniega de su hermana y la maldice.
Acto V
Se celebra un aquelarre. Aparecen Mefistófeles y Fausto, este último quiere huir pero el diablo le abre la montaña y le muestra un magnífico palacio. Mefistófeles ofrece a Fausto una copa para que beba y olvide el pasado, pero éste ve a Margarita en una celda y quiere llegar hasta ella.
Margarita cae muerta al ver a Mefistófeles. Un coro de ángeles se lleva el alma de la muchacha hacia el cielo mientras Fausto, desesperado, es arrastrado por Mefistófeles.
El autor, Gounod:
El compositor francés Charles Gounod (1818/1893) nació en el seno de una familia de artistas. Se quedó sin padre muy pronto y su madre, que era pianista, deseó que hiciera leyes, pero él se doctoró en filosofía y luego se dedicó a la música, estudiando en el conservatorio de París.
En 1851 pudo estrenar su primera obra importante, titulada Sapho, aunque con poco éxito. A los cuarenta y un años de edad tuvo un éxito rotundo con “Fausto”. A destacar también “Mireille” y sobre todo “Roméo y Juliette” que fue el mayor triunfo de su carrera de operista.
Además de las óperas compuso dos sinfonías, algunos oratorios, la misa de Santa Cecilia, y varias obras religiosas en la etapa final de su vida.
Gounod es considerado uno de los grandes compositores franceses que, hoy en día, debe su prestigio a “Fausto” y en menor medida a “Romeo y Julieta”. Fue un hábil orquestador, es músico de notable buen gusto y orientado, especialmente en su última etapa vital, a la música religiosa.
Videos de diferentes partes de la ópera:
Coro de los soldados:
Es el coro más famoso de la ópera de Fausto. Como se aprecia en el vídeo, la puesta en escena es clásica, ya que los intérpretes van vestidos propiamente de la época.
Valentín, recitativo y aria:
Este otro vídeo está grabado en directo desde el Teatro Amaya de Irún en 2011, es un aria y un recitativo con puesta en escena clásica al igual que el video anterior.
Mefistófeles, Le veau d’or:
https://www.youtube.com/watch?v=FIs-Ab3Rtsw
En el caso de este vídeo, la puesta en escena también se podría clasificar como clásica, pero, llama mi atención en especial, el traje que lleva el hombre que interpreta a Mefistófeles, que no encaja del todo con la época.
Final del primer acto:
En contraste con el vídeo anterior, Mefistófeles aquí viste un traje mucho más adecuado con la forma tradicional de representar a dicho personaje. Pero en cambio la vestimenta del resto de los personajes es moderna, ya que no encaja con la época en la cual transcurre la historia.
Curiosidades sobre la ópera Fausto:
En las Aventuras de Tintín, cómics de los que seguramente todo adolescente ha oído hablar alguna vez, aparece una soprano, la cual es el único personaje femenino habitual. Esta mujer es Bianca Castafiore, una cantante de ópera italiana conocida internacionalmente como el Ruiseñor de Milán. Su especialidad es el Aria de las joyas de la ópera Fausto. En consecuencia, sus apariciones suelen ir acompañadas de la frase que abre el aria: “¡Ah! Me río de verme tan bella en este espejo…” (Ah, je ris de me voir si belle en ce miroir). Que Bianca Castafiore siempre cante esta pieza se debe a que al ser francés el escritor, utiliza un fragmento de un aria muy conocida, que a todo francés le resultará familiar.
Otra curiosidad es que la ópera de Fausto aparece en la película del Fantasma de la Ópera, ya que en el transcurso de la película se ve como se ensaya la obra y el día de la gran representación, el fantasma de la ópera aparece como tenor, dejo un video en el que se ve muy bien dicha escena:
La ópera que me ha tocado trabajar se titula Il Barbiere di Siviglia que en español significa El Barbero de Sevilla, compuesta por Gioachino Rossini. Se trata de una ópera cómica y está considerada una de las mejores dentro de este tipo.Dicha ópera se divide en dos actos durante los cuales transcurre toda la historia. El libreto ha sido escrito por Cesare Sterbini en 1816 y el texto original sobre el que se basa este libreto es la primera parte de la trilogía teatral de Beaumarchais, Le Barbier de Séville.
La ópera fue estrenada en el teatro Argentina de Roma el 20 de febrero de 1816. Fue una de las primeras óperas italianas que se representó en Estados Unidos, en el Park Theater de Nueva York el 29 de noviembre de 1825
Resumen
Bartolo un viejo doctor, tiene planeado casarse con Rosina una joven atractiva a la cual, para impedir que se la quiten, la tiene encerrada en su casa. Pero por otro lado está el Conde de Almaviva que está enamorado de la joven y con la que también desea casarse, la diferencia es que Rosina, al que de verdad quiere, es al Conde.
Para quitársela a Bartolo el Conde pide ayuda a Fígaro, el barbero de Sevilla, que va a conseguir infiltrase en la casa donde se encuentra Rosina y hará que los enamorados se casen.
Gioachino Rossini
Fue un compositor Italiano, nacido en 1792 en Pésaro, Italia y murió en 1868 en París.
Ocupa un lugar muy valioso dentro del repertorio lírico italiano gracias a óperas bufas como Il barbiere di Siviglia, La Cenerentola o L’italiana in Algeri, que le han dado fama universal.
Hijo de un trompetista del municipio de Pésaro que colaboraba con las orquestas de los teatros de la provincia, y de una soprano, propició que desde pequeño ya tuviese cierta relación con la ópera.
Tenía una excelente facilidad para componer, por lo que los títulos le llegaban uno tras otro, llegando incluso a estrenar cuatro óperas en un mismo año. En París, ciudad a la que llegó en 1824 y en la cual ya iba a pasar el resto de sus días, compuso la que iba a ser su última partitura para la escena, Guglielmo Tell (1829).
A pesar de su gran éxito abandonó por completo su carrera musical, cuanto tenía treinta y siete años, sin saberse exactamente cuáles fueron las razones que le llevaron a ello.
Sólo gracias a la revisión en 1969 de Alberto Zedda, director, musicólogo y docente del Festival de Ópera Rossini, que se celebra en Pésaro cada verano, podemos escuchar esta ópera finalmente como se merece, puesto que hasta entonces la ópera bufa, cómo género, no gozaba del respeto que le era debido. Ya que se modificaba continuamente a gusto del intérprete o el director.
También se sabe que Rossini, aunque tenía una brillante capacidad de composición, era muy vago y siempre dejaba las cosas para el último momento, y de vez en cuanto repetía las mismas composiciones en distintas obras. Sin embargo, a pesar de esto, consiguió componer esta obra maestra en tan solo tres días.
Rossini firmó, para poder estrenar su obra, con el duque Francesco Cesarini Sforza, empresario del teatro Argentina.
Durante el estreno ocurrió de todo, pero todas cosas malas, incluso la muerte del empresario del teatro afectó para que la obra sólo recibiese malas críticas. Sin embargo a partir de la segunda representación, y hasta día de hoy es una de las óperas más amadas por el público.
También le fue difícil la aceptación del público porque años antes Paisiello, ya había estrenado un Barbero de Sevilla. Por lo que Rossini hizo algunos cambios que quizás al público en un principio no gustaron tanto.
Anécdotas
Se cree que a Rossini no sólo le apasionaba la música, al parecer también se le daba bastante bien la cocina y pasaba algunos de sus ratos entre fogones.
En 1816 el empresario Barbaja, le contrató para que le compusiera dos óperas, pero Rossini se lo tomó con calma y al final acabó encerrado en una habitación con apenas
comida y, en una sola semana terminó lo que se le había pedido, por el hecho de poder salir de allí lo antes posible.
Curiosidad
Cuando se estrenó esta obra, el público asistente dejó mucho que desear pues se comportó en forma grosera, reía, gruñía, silbaba, etc. Uno de los cantantes dio un paso en falso y cayó en medio del escenario causando la burla de todos. Por otra parte, a uno de los músicos en plena ejecución se le rompió una cuerda de su instrumento y por si todo esto fuera poco, apareció incluso un gato negro en medio del escenario. Rossini prefirió salir y poco después exclamó “Tuve que huir ante la actitud de un público desencadenado. Yo creía que me iban a asesinar” Al día siguiente los asistentes recapacitaron y se convirtió en una de las obras preferidas.
Fragmentos más destacados
La Obertura. Fue compuesta para una ópera seria anterior, Aureliano en Palmira, estrenada en Milán en 1813, posteriormente utilizada por Rossini para su drama histórico Isabel, reina de Inglaterra, estrenado en Nápoles en 1815, y finalmente reutilizada en 1816 para El barbero de Sevilla.
Esta obertura incluye una introducción lenta, con sendos crescendos orquestales al final de la exposición, y una coda en forma de stretta, o acelerón final.
Largo al factotum, cavatina de Fígaro, conocida entre los menos entendidos de la ópera como fígaro fígaro fígaro. Se ha usado en películas, anuncios o dibujos animados, y es que, con más de doscientos años de vida, sigue siendo un gran pilar dentro de la ópera cómica Italiana.
Con esto Rossini nos quiere dejar ver el entusiasmo vital y la gran felicidad con la que se encuentra el personaje en ese momento.
https://www.youtube.com/watch?v=LFt-iSxjmGs La calumnia. Aria de Don Basilio, se identifica por el uso de un magistral crescendo, describiendo los cambios de la calumnia desde un vientecito que apenas se mueve hasta el más fuerte disparo de cañón. Está compuesto para un bajo.
A un dottor della mia sorte. Aria de Bartolo, que al igual que el aria anterior está destinada para bajo.
Ecco ridente. Aria del Conde de Almaviva, hecho para una voz tenor.
Una voce poco fa. Aria de Rosina, dirigida para voces contralto.
Algunas puestas en escena
En el Auditorio Kursaal, en San Sebastián, el director de escena Joan Anton Rechi, opta por transformar Sevilla en un plató de televisión y los personajes en actores y personajes del mundo de la pequeña pantalla.
En el Teatro Musical Stanislavski y Nemiróvich-Dánchenko de Moscú, el director, Efe Alexandr Titel hizo una representación de la obra propia del lugar, reflejando el frio de Moscú produciendo nieve durante la obra, una cosa curiosa tratándose de una ópera que se desarrolla en Sevilla.
En La Royal Opera House de Londres. Es una puesta en escena que exagera la comicidad con un tratamiento disparatado, guiñolesco y pop a la vez, tanto en el vestuario como en los decorados. Producida por Moshe Leiser y Patrice Caurier.
Este trabajo está dedicado a la ópera compuesta por Giuseppe Verdi conocida como La Traviata, aunque en un primer momento se publicó como Violeta, en honor a su protagonista. El autor del libreto de La Traviata es Francesco Maria Piave, el cual lo escribió en italiano. Ambos, Verdi y Piave, crearon esta ópera basándose en la novela de Alexandre Dumas, La dama de las camelias, dándole un enfoque más contemporáneo.La Traviata, es una ópera que se divide en tres actos y fue estrenada en el teatro de La Fenice de Venecia en el año 1853 sin éxito.
Resumen del argumento
Primer Acto
El argumento principal de esta obra es una historia de amor entre Violeta y Alfredo. La ópera comienza con una fiesta en casa de Violeta a la que acudía la clase alta parisina. A esta fiesta asiste entre otros Alfredo Germont, es presentado a Violeta y surge entre ellos un fuerte sentimiento de amor. Al acabar el banquete, los invitados se dirigen a otra sala para bailar. Mientras tanto, los protagonistas solos, conversan y Violeta reconoce en la palabras de Alfredo, un amor muy sincero.
Podemos destacar dentro de este primer acto, el momento de mayor intensidad que es el brindis. Este brindis quizá el aria mas famoso del mundo, es representado por el dúo de Violetta y Alfredo (libiamo, libiamo) y en él alcanza una gran intensidad musical.
Segundo Acto
Tras un tiempo, Violeta y Alfredo, viven un una casa de campo, pero para cubrir los gastos de esta nueva vida, Violeta vende sus bienes. Al enterarse Alfredo, se enfurece y marcha rumbo a Paris para resolver los problemas económicos. Esta situación es aprovechada por el padre del joven, Giorgio Germont, el cual obliga a Violeta a romper su relación con Alfredo por estar perjudicando la reputación de la familia. Días después, los protagonistas acuden a la fiesta de Flora por separado, y para no revelar la conversación con su padre, Violeta engaña a Alfredo, diciéndole que ha roto su relación por amor al Barón Douphol, por lo que Alfredo la humilla tirando todo su dinero a los pies de la dama, dejando a Violeta muy triste ya que su amado no conoce la verdadera razón de su ruptura.
Dentro de este acto, es destacable la conversación entre Violeta y el señor Germont, donde éste la obliga a romper su compromiso con su hijo. Esta conversación está representada por varias arias.
Tercer Acto
Para finalizar la ópera, Violeta se encuentra en su habitación muy enferma junto al doctor y su criada. La protagonista vuelve a leer una carta que le escribió el padre Germont. Mientras, la criada anuncia la llegada de Alfredo que, al ser consciente de la enfermedad de su amada, regresa para estar junto a ella. Sin embargo y tras soñar con nuevos planes de pareja juntos, Violeta muere en brazos de su amado. Por lo tanto, estos últimos sentimientos de la protagonista adquieren gran importancia, y son representados por el aria llamado Addio del passato de Violeta.
Biografía del compositor
Giuseppe Verdi, 1813-1901, nace en Busseto, localidad bajo el impero francés, pero en la actual Italia. Fue el principal compositor de ópera lírica en Europa durante la segunda mitad del siglo XIX. Tuvo una familia muy modesta, pero afortunadamente, disfrutó de la protección de Antonio Barezzi, que en un futuro se casaría con su hija. Antonio era un comerciante aficionado a la música y era consciente de las capacidades de Verdi. Gracias a él pudo viajar a Milán para estudiar música en el Conservatorio, sin embargo no pudo superar las pruebas de acceso. Más tarde, estudiando con Vincenzo Lavigna, profesor que le enseñó la música italiana antigua y alemana de esa época, fue nombrado maestro de música de Busseto.
La primera ópera que compuso fue Oberto, conte di San Bonificio. Le ayudó a conseguir un valioso contrato con el Teatro de la Scala. Desgraciadamente, su siguiente ópera no tuvo éxito y coincidió con la muerte de su esposa e hijos, consecuencia de lo cual, el compositor entró en depresión. Sin embargo, al leer el libreto de Nabucco, recuperó el entusiasmo de nuevo por la ópera, y su partitura fue muy bien recibida en la Scala. Además de la magnifica labor musical de esta ópera, resaltaba el sentido político, sintiéndose el público muy identificado con el conflicto de la obra, convirtiéndose Verdi en un símbolo de unificación patriótica en Italia.
A parte de Nabucco y La Traviata, podemos destacar las obras de Rigoletto e Il Trovatore como sus obras maestras. Desde entonces, Verdi decidió componer sólo aquello que deseaba, por lo que disminuyó el número de obras, pero aumentó la calidad de éstas. Estas óperas se caracterizaban por la búsqueda de la verosimilitud dramática, en oposición de las convenciones musicales.
En este enlace, se representa el coro de los esclavos, una parte muy representativa de la ópera Nabucco e himno de la independencia e unificación italiana.
https://www.youtube.com/watch?v=DzdDf9hKfJw
Contexto en el que la ópera se compone y estrena
Nos encontramos un siglo marcado por el golpe de estado de Napoleón, también por las revoluciones de la burguesía o los liberales con el fin de limitar el poder absolutista y los movimientos obreros y nacionalismos que mejoraron las condiciones de los propietarios. En el plano musical, podemos destacar el estilo Romántico, donde se prefiere la intensidad y expresividad, frente a la elegancia y perfección. También se caracteriza por un gran crecimiento de la producción operística para cumplir las expectativas del empresario, público y teatro. Sin embargo, la ópera no evoluciona debido al gusto conservador de los espectadores.
Verdi, consigue una gran popularidad y sus obras se caracterizan por la preocupación del autor por hacer que la música sea un fiel reflejo de la acción. También se capta un fuerte sentimiento nacionalista marcado por el “Risorgimiento” (movimiento político de la época). La música es interpretada como un arma que despierta y expresa las pasiones, y los sentimientos individuales y de los pueblos.
La Traviata, fue estrenada sin éxito, en el Teatro La Fenice de Venecia, en el cual el público abucheó varias veces a la soprano que interpretaba a Violeta y en el segundo acto al barítono y el tenor. Con este suceso, Verdi se preguntaba si el problema residía en los cantantes o en él mismo y en su música. Más tarde, se retocaron los actos II y III, los cuales ayudaron al éxito de la obra, representándose en varios países como España, Inglaterra o Estados Unidos. Desde entonces, hasta la actualidad, La Traviata se ha mantenido como una de las óperas más significativas e importantes, y para muchos la que más. Con esta ópera, Verdi expresa un carácter realista, donde los personajes dejan de llevar vestimentas de siglos pasados y visten con trajes contemporáneos de la época. Aparte de la belleza de la música, esta ópera convenció a un gran número de espectadores en su época debido a su representación de los bailes de moda, sobre todo el vals propio de las fiestas de la alta sociedad.
Teatros y artistas famosos
Esta importante obra ha sido representada en todos los grandes teatros de ópera como la Scala de Milán, el Liceo de Barcelona, el Real de Madrid, el Metropolitan de Nueva York… También interpretada por los cantantes más conocidos, como Maria Callas, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo, Giuseppe di Stefano, Montserrat Caballé…
Curiosidades de La Traviata
Esta ópera ha sido utilizada por varios compositores como Donato Lovreglio. También en películas como Camille, Crepúsculo o Pretty Woman aparecen escenas de la Traviata, y hasta se han hecho varias películas de esta obra, dirigida por Franco Zeffirelli o Giuseppe Patanè.
Puestas en escena
Esta ópera ha sido representada tantas veces, que podemos difenciar una gran variedad de puestas en escena. Por ejemplo, en el teatro Alcalá, se ha representado la Traviata con una puesta en escena del siglo XXI, para alejar la ópera de su concepción tradicional y atraer a un nuevo público, y no mostrar la ópera como un espectáculo anticuado.
En el Istanbul’s Süreyya Opera House, se representó La Traviata en conmemoración de los 200 años del nacimiento de Verdi. En esta representación, se pudo observar, cómo los personajes estaban vestidos con ropas totalmente informales, de la actualidad, y con una puesta en escena acorde con las vestimentas. El fondo del decorado daba una sensación de modernidad, constituido con placas que se alumbraban con diferentes colores, jugando así con las luces, para aparentar diferentes sensaciones. En la ópera original que compuso Verdi, Alfredo y Violeta eran jóvenes que se enamoraron pertenecientes a la clase alta de la sociedad. En esta representación, los personajes son interpretados por adultos de una entrada edad y con ropas más casuales sin representar ninguna riqueza, lo cual se contradice con la obra original.
En el Lyric Opera of Chicago, la representación de la Traviata destaca por grandes contrastes. Por un lado los personajes están vestidos con vestimentas un tanto tradicionales a la vez que extrañas. Por ejemplo observamos a Violeta con una especie de alas doradas sobre sus hombros y un peinado con un extraño objeto en su cabeza. También podemos apreciar a algunos personajes con máscaras y ropas extrañas. Por otro lado los decorados, principalmente en color rojo y con globos en el techo dan un toque mas moderno, a la vez que desenfadado.
En el teatro de Roma, podemos diferenciar dos puestas en escena totalmente diferentes. Por un lado, La Traviata se representó de una forma más tradicional en la forma en que Verdi tenía pensada la ópera. En este caso, los personajes, sus vestimentas, los pensamientos de la época y la puesta en escena concuerdan a la perfección, con decorados acompañando a los vestuarios. En esta fotografía podemos observar, cortinas cubriendo todo el fondo del escenario, que dan un aspecto clásico.
Por otro lado, nuestra ópera ha sido representada también en el teatro de Roma, con puestas en escena más contemporáneas, como por ejemplo en este caso, que en el fondo del escenario colocan un espejo para aparentar mayor espacio. También podemos observar el juego de luces, en el que esta puesta en escena es mucho más oscura que la anterior, resaltando con más luz a los protagonistas y dando un toque más dramático. En este caso, podemos observar los vestuarios de lo personajes, los cuales contrastan con los anteriores, ya que estos son mucho menos clásicos y opulentos.
Una producción de la Sydney Opera House, ha permitido disfrutar una representación de la Traviata en un escenario flotante, en Sydney Harbour. Esta representación tuvo lugar por la noche, donde los técnicos dieron mucha importancia a la iluminación. Tambien tuvo una notable importancia, un gran candelabro que se suspendía en el centro de la escena, dando un toque clásico a la representación. Sin embargo, los personajes vestían con trajes un tanto más contemporáneos. Al terminar la representación, surgían desde el agua fuegos artificiales, proporcionando un efecto visual muy atractivo que, junto con este estilo de representación, trataba de atraer nuevos espectadores.
Conclusión
La ópera de La Traviata es de las obras más importantes de Verdi, y me atrevo a decir que del mundo. Ha sido interpretada por una gran variedad de cantantes, entre ellos los más apreciados en cada momento, ha sido representada en los mejores teatros del mundo, y hoy en día es conocida por una gran variedad de personas, no solo por la ópera en sí, sino porque ha sido utilizada en películas, anuncios y distintos conciertos… Esta ópera guarda una estructura de introducción, nudo y desenlace, donde en cada acto hay un momento de mayor intensidad, en el primer acto el brindis, en el segundo la conversación entre el padre de Alfredo y Violeta y por último en el tercer acto, la muerte de violeta en brazos de Alfredo. Es una ópera que repite a lo largo de toda ella una melodía, lo cual la hace más pegadiza y fácil de memorizar. En resumen, la Traviata me ha gustado mucho, sobre todo la historia de amor entre Alfredo y Violeta y el momento del brindis con gran intensidad tanto escénica como musical.
La música genérica es un tema exclusivamente instrumental compuesto para la identificación de una determinada marca.
https://www.youtube.com/watch?v=MPbxTQCUaXg
La música de estos anuncios de la marca “Cofidis” es genérica porque se relaciona con la marca, por lo tanto, todos los anuncios de dicha marca utilizan esa música. En el anuncio de se puede distinguir de fondo un silbido que suena constantemente, y forma una melodía única para el anuncio.
La música de estos anuncios es original, es decir, fue compuesta para anunciar este tipo de créditos. Sin embargo en otras melodías de la misma marca utilizan la misma melodía pero interpretada por instrumentos. Se trata de un silbido masculio.
Refuerza el mensaje que se quiere transmitir que es, seguridad y comodidad al pedir un préstamo monetario. También nombran la marca, lo que refuerza todavía más el mensaje.
La intención de esta música es incentivar al espectador para que compre el producto mediante una música rápida y alegre (un silbido acompañado de música de fondo).
También hace función de acompañamiento. Es una música para un tipo de cliente determinado, personas mayores de edad, ya que es para pedir un crédito y sólo personas mayores de edad pueden realizarlo.
Se trata de una música inexpresiva ya que no transmite ningún tipo de sentimiento.
Es una música elegida en función del producto porque lo acompaña y menciona la marca, y en función del consumidor porque aparece en los anuncios el producto anunciado.
El anunciante al utilizar esta música ha conseguido que cualquier persona que lo escuche lo relacione con la música con “Cofidis”. Y además, contribuye a motivar al espectador.
En el primer spot podemos decir que se trata de música prestada ya que no está originalmente creada para el anuncio, por ello forma una parte imprescindible de éste, dando más fuerza y consistencia al mensaje que se quiere transmitir al consumidor.
La intención de la música es acompañar al anuncio y hacer más fuerte el mensaje ya que ambos representan lo mismo, mejorar a fin de cuentas.
La música no está escogida al mero azar, está elegida en clara relación al producto que se quiere vender y a quienes pueden comprarlo, de esta manera establecen una relación entre la música clásica y personas de mediana edad con un poder adquisitivo estable.
El mensaje del anuncio es “el mejorar” y la parte musical de éste viene a decir lo mismo, de esta manera el consumidor se ve reflejado de manera positiva en el mensaje, lo que hace que le guste. Se trata de un producto que exige un nivel económico alto que suele ser propio de personas de mediana edad dejando a un lado a los jóvenes, por ello es música clásica.
En este caso podemos saber que se trata de una obra del compositor ruso ya fallecido Igor Stravinski el cual es uno de los compositores, director de orquesta y músico más importantes del siglo XX.
Segundo anuncio:
En este caso también se trataría de una música de carácter prestado y también una parte fundamental para el anuncio haciéndolo más atractivo y llevadero de una manera muy notable.
En este caso podemos escuchar la música perteneciente a un fragmento de la obra “Pedro y el lobo” compuesta por Sergei Prokofiev con la intención de crear un anuncio entretenido y que guste a todo el público.
Se trata de una música escogida intencionadamente sobre todo por el producto, pero también por el tipo de consumidor ya que muestra una melodía alegre y desenfada, dirigida a los jóvenes y por ello se refuerza el mensaje e incita a consumir el producto gracias a su carácter tranquilo y apetecible, de este modo impacta de manera positiva en el consumidor.
En conclusión, las melodías son fragmentos de la obra “Pedro y el lobo”, y no están escogidos al azar, son los fragmentos más optimistas y desenfadados de la obra, lo cual es ideal para el mensaje que quiere transmitir el anuncio presente.
Del compositor de la obra Sergei Prokofiev se puede decir que es, al igual que su anterior compañero, un compositor, músico y director de orquesta ruso relevante del sigo XX.
Las adaptaciones realizadas no son sobre la composición, sino sobre la forma de utilizarla. No se oye la música de forma lineal, sino uniendo distintos fragmentos.
En diferentes anuncios podemos observar como pueden estar dirigidos a las personas en función de su estatus social o económico. A continuación, vamos a poder verlo con total claridad.
La música que podemos escuchar en este spot publicitario es música exclusivamente instrumental, el único instrumento que podemos escuchar es una guitarra española y eso se puede relacionar con lo que hablan los protagonistas del anuncio. Ellos hablan de los triunfos de los personajes del deporte español los cuales han conseguido grandes éxitos y con esta música tratan de transmitirnos un sentimiento nacionalista de poderío y éxito con un instrumento típicamente español y que todos conocemos.
Además en este anuncio podemos distinguir a tres personajes famosos de el ámbito deportivo lo cual supone para la empresa anunciante un gasto económico mayor.
No podemos saber que están anunciando hasta el final del anuncio ya que es un anuncio de una marca que todos conocemos y que usan muchos de los grandes deportistas con lo que va dirigida a gente con buen nivel económico.
En este anuncio la música pasa a un segundo plano comparado con el otro anuncio donde adquiría una mayor importancia y no está estrictamente relacionada con el contenido del anuncio.
Es una música animada que mantiene el mismo ritmo durante todo el tiempo, la música en este anuncio no adquiere demasiada importancia.
En el spot ponen mucho ímpetu en los precios y la comodidad de la marca que, por ejemplo en el anterior anuncio, ni mencionan.
Es una marca mucho más barata y eso está reflejado en el anuncio que no tiene el mismo coste que el producto anterior y va dirigido a un tipo de persona un nivel económico más bajo.
La música aquí empieza con sonidos graves, pausada y con una intensidad baja y va aumentando la intensidad según el spot va transcurriendo coincidiendo con el momento en el que el coche arranca para intentar reforzarnos la idea de que es un coche potente y elegante.
Este anuncio está destinado a personas con alto nivel adquisitivo ya que, no ponen el precio, ni enseña las características interiores, ni accesorios como en el siguiente anuncio, sólo muestra un coche potente y con un diseño elegante.
La marca es conocida por todo el mundo y ya se sabe que se trata de un anuncio de una marca cara.
Estos anuncios no venden solamente productos, te intentan vender un estilo de vida alto ya que siempre aparece gente bien vestida y elegante. Está, por lo tanto, dirigido a personas con un alto nivel económico y con gustos clásicos, por eso, la música que emplea el anunciante es música culta.
La música en este último anuncio es vocal con acompañamiento instrumental. Trata de transmitirnos una sensación animada y divertida mostrándonos la conducción como algo atractivo y fácil.
Los colores que se utilizan son claros y animados, muy relacionado con lo que te transmite la música.
Este spot está destinado a una gente con un nivel adquisitivo más bajo comparado con el anuncio anterior de BMW. Se muestran los accesorios interiores del coche, te dice todo lo que tiene y el precio de éste, cosa que en el otro anuncio no aparecía.
Nos transmite comodidad y utilidad dando la sensación de que es un coche práctico.
Por lo general, los anuncios que vemos en la televisión tienen música de fondo, pero a veces los publicistas deciden no añadir música al anuncio por diferentes razones. Los anuncios que he escogido sin música son: There you are – Chanel Nº5, Banco Sabadell – Reyes Magos y Chicles Orbit.
Los dos primeros anuncios son peculiares, primero porque son en blanco y negro, y segundo porque no utilizan música, con la finalidad de que el receptor se centre en la voz para poder entender mejor el anuncio. Ambas características son utilizadas de forma estratégica ya que después de muchos anuncios con música y en color, éstos llaman la atención y hace que el receptor muestre curiosidad.
El anuncio de Banco Sabadell es un anuncio destinado a una causa solidaria, utilizando niños intentando movilizar al receptor y el banco lo utiliza para promocionarse publicitariamente.
El anuncio de Chanel Nº5 relaciona el discurso que da un actor reconocido sobre cosas importantes de su vida con la categoría de esa colonia. El empleo del blanco y negro, el utilizar a un actor famoso y la cadencia de su discurso contribuye a captar la atención del espectador, creando una sensación de intriga. Cuando aparece el producto anunciado lo hace con una imagen en color, cambiando completamente la decoración exterior.
El tercer anuncio que he escogido, Chicles Orbit, se encuentra en la página web publipubli.com
No utiliza ni música original ni prestada, utiliza una corta melodía silbada. Este anuncio al principio presenta el problema de que, después de comer, tus dientes están desprotegidos, por lo cual es necesario lavárselos, pero a veces es imposible debido a diferentes situaciones. En esta parte no utiliza música con la función de que el receptor reciba el mensaje como una información mas científica.
Para dar paso a la segunda parte aparece una música monótona de alerta. Y en la segunda parte del anuncio utiliza una melodía silbada que refuerza la sensación de tranquilidad, queriendo decir que con Orbit te puedes despreocupar de la protección de tus dientes ya que estos chicles hacen la función de un lavado. Este anuncio está dirigido a todo tipo de consumidores.
En conclusión, los anuncios sin música son anuncios que han sido intencionadamente escogidos para captar la atención del espectador ya que en la televisión priman la imagen y el sonido y en mi caso los anuncios carecían de ambos.
Estos anuncios tienen música original porque en publicidad se puede componer una banda sonora a la manera de la música cinematográfica.
El papel que desenpeña la música en este tipo de anuncio es apoyar las imágenes y dar énfasis al mensaje publicitario, como por ejemplo en el anuncio de Mercedes Clase GLA 2014 200 CDI.
La música no tiene tanto protagonismo como en otros tipos de anuncios. No busca que el público recuerde la melodia, sino reforzar las imágenes, se aprecia en el anuncio del Mercedes A-Class 250.
La estructura, el ritmo, orden de la música y la melodia, marcan las imágenes. Observar la parte visual sin la parte sonora haría que se perdiera parte del mensaje, el sentido del anuncio. Al igual que las bandas sonoras de las películas ayudan a los directores a narrar una historia, ayudan a contar anuncios en pocos segundos, que son como pequeñas películas. Por ejemplo en el anuncio de Philips, está totalmente narrado como si de una pélicula de acción se tratase.
En cuanto a la velocidad de la música, en los tres anuncios utilizan una música rápida para dar emoción y asombrar al cliente.
¿Os habéis parado a pensar alguna vez que la música de los anuncios nos puede decir muchas características sobre ellos? Una de ellas es a las personas que van dirigidos en función de su edad.
En el primer anuncio se anuncia un coche de la marca “Mercedes”, estos anuncios están dirigidos a gente adulta ya que son coches caros y que pocas personas pueden comprar. Si os fijáis en la música del anuncio es una música tranquila ya que estos coches tienen que transmitir seguridad pero a la vez hay un momento en el que el ritmo de la música cambia y va más deprisa transmitiéndonos velocidad, otra característica de esta marca de coche.
El segundo anuncio lo que se anuncia es cerveza y este tipo de anuncios suelen estar dirigidos a gente joven, eso no quiere decir que la cerveza solo sea para esa franja de edad pero podemos saber que está destinado a esa edad por la música que le acompaña.
Con una vez que escuchéis la música del anuncio os vale para saber que nos traslada a la época del verano, la época de fiestas, amigos, calor, playa, diversión y todos esos momentos son buenos y perfectos para tomarse una cerveza, por ello nos incita a que nos apetezca.
La canción que suena es Summercat del grupo “Billie the vision” y “The dancers”.
El tercer anuncio puede estar destinado a los padres ya que son ellos los que van a comprar el producto, pero en cambio se ve que está dirigido a los niños, no sólo porque son ellos los que suelen tener los problemas de los piojos sino también por la música empleada , ya que es una tema pegadizo, alegre, fácil de recordar y divertido, que es lo que va a hacer que los niños prefieran que les compren esa marca de producto a otras distintas.
Ahora bien, todos estos anuncios utilizan un préstamo, es decir, que la música utilizada no ha sido compuesta especialmente para ellos, sin embargo el anuncio destinado a los niños ha modificado la letra adaptándola al producto. Es un tema pegadizo que es lo que llama la atención a los niños.
En los tres tipos de anuncio la música refuerza el mensaje del texto anunciado ya que gracias a ella nos transmite las características del producto que desean vender.
El ritmo, la intensidad y el movimiento varía dependiendo de la edad a la que van dirigidos, siendo la música más lenta y suave en el primer anuncio y mas alegre, pegadiza y rápida en los otros dos.
En conclusión, la música refuerza los contenidos del anuncio ya que nos transmite las cualidades o características de cada tipo de producto que se anuncia, por ello hay que saber bien que música escoger.
